Wednesday, May 15, 2013

El arte modernista

CASA BATLLÓ. ANTONIO GAUDÍ


 
La Casa Batlló es una pieza clave en la arquitectura de la Barcelona modernista. Fue construida entre 1875 y 1877 por Emilio Salas Cortés, quien curiosamente fue profesor de Gaudí. Era un edificio sobrio y clásico formado por un sótano, planta baja, cuatro pisos y un jardín en la parte posterior. En 1900, fue comprada por el empresario textil Josep Batlló y su mujer. Se ubicaba en pleno  Passeig de Gràcia, una zona moderna y prestigiosa.  Pertenecían a una distinguida familia, y con el deseo de distinguirse del resto, querían construir una casa espectacular. En 1904 se puso en contacto con Antonio Gaudí, un arquitecto innovador y diferente, para llevar a cabo este proyecto. El encargo inicial consistía en derribar el edificio original y construir uno nuevo. No obstante, Gaudí consiguió convencer a Josep Batlló de que una reforma sería suficiente. Gaudí realizó una reforma integral del edificio con técnicas innovadoras y total libertad de creatividad.

Dicha reforma consistió en modificar la fachada principal, añadiendo balcones y una tribuna principal. Dicha fachada era original, fantástica y llena de imaginación. Sustituyó a la antigua fachada por un nuevo conjunto de piedra y cristal. Además, mandó repicar los muros exteriores para darle la forma ondulada.  En cuanto al interior de la casa, reformó el piso principal, amplió el piso central e incorporó dos nuevos pisos. Además, remató la casa con lo que se supone que es el espinazo de un animal. En la parte superior de la fachada, encontramos que el tejado tiene forma de lomo de animal y grandes escamas tornasoladas. El remate espinal está formado por piezas esféricas de colores cambiantes de un extremo a otro de toda la cumbrera.  


A nivel de planta baja, planta noble y primera planta, la fachada incorpora esbeltas columnas de piedra de Monjuïc, que perfilan formas óseas decoradas con elementos florales típicamente modernistas. Las barandillas de los balcones con forma de máscaras son de hierro colado en una sola pieza y están fijadas mediante dos puntos de anclaje.


El patio de luces es parte importantísima de la reforma. Gaudí ensancha el patio de luces y lo reviste completamente de azulejos con relieve, en distintos tonos de azules, que son más intensos en la parte superior y más claros en la parte inferior, logrando así una distribución uniforme de la luz. Las ventanas son más pequeñas en la parte superior donde llega mayor cantidad de luz natural, mientras que hacia abajo, estas se van haciendo más grandes. La parte inferior de las ventanas incorpora unas rendijas de madera que pueden abrirse o cerrarse asegurando una buena ventilación.



Recorriendo la casa, los detalles no paran de sorprender por todas partes. Las puertas de cada piso están identificadas mediante letras de rasgos modernistas, diseñadas por Gaudí especialmente para la Casa Batlló.



La Casa Batlló se trata de un espacio de un enorme valor poético, con excelentes vistas de Barcelona y un universo lleno de formas, siluetas y texturas.  Además, popularmente es conocida como “Casa de los bostezos” por la forma de los ventanales de la tribuna y “Casa de los huesos” por las columnas que recuerdan a tibias.


En la actualidad, la espectacular fachada es un icono de referencia en Barcelona. La casa museo abre sus puertas al público tanto para las visitas culturales, como para la celebración de eventos en sus espléndidos salones modernistas.
Toda la información ha sido seleccionada en la siguiente fuente:

Wednesday, May 8, 2013

El arte en la Edad Moderna


EL MATRIMONIO ARNOLFINI (JAN VAN EYCK)



El Matrimonio Arnolfini es una de las pinturas más notables del pintor flamenco Jan van Eyck. Data del 1434 y se encuentra en el National Gallery de Londres. El cuadro representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Giovanna Cenami. Una de las teorías más aceptadas, introducida por Erwin Panofsky, sostiene que la pintura representa el matrimonio entre ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor.



El simbolismo
La representación de los esposos revela los diferentes papeles que cumple cada uno en el matrimonio. Giovanni bendice y sostiene con autoridad la mano de su esposa, que agacha la cabeza en actitud sumisa. Además, esta posa su mano izquierda sobre su vientre, señal de un embarazo que no es real. Por otra parte, la ropa que llevan revelan su alta posición socioeconómica: el tabardo de él es oscuro y sobrio (aunque los remates de piel de marta resultaban caros), y ella luce un vestido de colores vivos y alegres, con puños de armiño (complementados con un collar, varios anillos y un cinturón de brocado, todo en oro). La alta posición socioeconómica también se ve reflejada a través de los diversos objetos que aparecen en el cuadro.

A continuación, explicaremos cuál es el significado de algunos de los elementos que aparecen en la obra:

Las naranjas: es probable que hagan alusión al origen mediterráneo del matrimonio. Por otra parte, esta fruta también era conocida como “manzanas de Adán”, por lo que representaban la fruta prohibida del edén.

La cama: representa el lugar donde se nace y se muere. Además, los tejidos rojos simbolizan la pasión. Por otra parte, también hay que destacar que en las casas acomodadas de Borgoña era costumbre poner una cama en el salón donde se recibían visitas.

El espejo: es uno de los mejores ejemplos de la minuciosidad de van Eyck. En él se ven reflejados a dos asistentes al enlace, un clérigo y el propio pintor, que actúa como testigo. Además, en torno al espejo se muestran 10 de las 14 estaciones del Vía Crucis.

Los rosarios: eran un regalo habitual del novio a su futura esposa.

Los zuecos: representa el vínculo con el suelo sagrado del hogar, así como la creencia de que pisar el suelo descalzo aseguraba la fertilidad. Además, la posición de estos también es importante, pues los pertenecientes a Giovanna se encuentran cerca de la cama, mientras que los de Giovanni están más próximos al mundo exterior.

La alfombra: se trata de una muestra de la alta posición socioeconómica, ya que se trata de una alfombra lujosa.

La lámpara: sólo tiene una vela, ya que era costumbre flamenca encender una vela el primer día de la boda. Además, esta simboliza la llama del amor.



El perro: simboliza la fidelidad y el amor terrenal.

“Johannes de Eyck fuic hic 1434”: esta es la firma que aparece en la pared y que deja constancia de que el autor fue testigo del enlace.

Giovanna: pese a su postura, no está embarazada y solo se limita a delatar el vientre, que entonces se consideraba como una de las partes más bellas del cuerpo.

Información recopilada en:
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/21.htm


Friday, April 26, 2013

El arte en la Edad Media


BASÍLICA DE SAN PABLO EXTRAMUROS DE ROMA

La Basílica de San Pablo Extramuros (Basilica de San Paolo fuori le Mura) fue construida en el siglo IV d.C. por el emperador Constantino, en el lugar donde resposaban los restos del apóstol San Pablo. Es una de las cuatro basílicas mayores de Roma, la segunda en tamaño por detrás de la Basílica de San Pablo.



    Tras la ejecución del apóstol San Pablo en el siglo I d.C., sus seguidores levantaron un santuario sobre la tumba. En el año 324 se consagró una pequeña iglesia en el mismo lugar, que fue demolida en el año 386 para la construcción de una basílica mayor, que se vería finalizada en el año 395.
    En julio de 1823 un gran incendio redujo a cenizas todo aquel valioso patrimonio de arte e historia. La ciudad entera acudió a ver el triste espectáculo. Sin embargo, los cardenales no se atrevieron a dar la noticia al Papa Pío VII, que murió un mes después. Tras el incendio, el mundo entero se volcó en la restauración de la iglesia, que posteriormente sería declarada monumento nacional.
    Después de este gran incendio, el último superviviente que todavía se conserva es el claustro construido entre los años 1220 y 1241. 
    El interior de la Basílica de San Pablo cuenta con enormes columnas de alabastro y preciosos mosaicos dorados. Lamentablemente, debido al incendio producido en 1823, son pocas las partes que se conservan intactas de la basílica medieval, pero aún se pueden contemplar algunos mosaicos del siglo XIII, un gran candelabro del siglo XII, o el baldaquino de mármol de 1285 bajo el cual se encuentra la sepultura de San Pablo.
Basílica de San Pablo Extramuros


    En la parte superior de las paredes se pueden observar los retratos de los diferentes papas que se han sucedido a lo largo de la historia, mientras una luz dorada ilumina al papa actual.
    Probablemente la parte más llamativa de la iglesia sea el grandioso atrio dotado de 150 columnas desde el que se puede contemplar el exterior de la iglesia recubierto por un enorme mosaico dorado realizado entre 1854 y 1874, que refleja los rayos del sol. El centro del gran patio ajardinado está dominado por una colosal estatua de San Pablo.

    Lo más impresionante de la basílica son los vestigios del antiguo templo que expondremos a continuación: 
1. Tumba del Apóstol: En el año 2006 se abrió un hueco que permite ver la pared de mármol del sepulcro de San Pablo 
2. Ciborio de Arnolfo di Cambio: milagrosamente salvado del incendio.
3. Mosaico del ábside: el mosaico original resultó muy dañado en el incendio. El actual es la reproducción del original, del que lograron salvarse algunos fragmentos.
4. Candelabro pascual: con escenas de la Pasión. También pudo salvarse del incendio.
5. Puerta bizantina: fue construida en el siglo XI y era la puerta central de la antigua basílica. También tuvo un gran proceso de restauración.
6. Mosaico del Arco del Triunfo: después del incendió perdió gran parte de su belleza. 
7. Claustro: del siglo XIII muy similar al de Letrán.
8. Retratos de los Papas: comenzó en el siglo V. Se actualiza siempre con el pontífice reinante. 
9. Puerta central de la basílica. 
10. Capilla de la adoración: contiene un valioso crucifijo y una talla de madera de San Pablo.También contiene la tumba de Cavallini.
11. Museo y Pinacoteca.
12. Capilla de las reliquias.
13. Campanario. 
14. Cuadripórtico. 

Friday, April 19, 2013

El arte griego

LAOCOONTE Y SUS HIJOS

    Se trata de una obra original, realizada por tres artistas de la misma familia, pertenecientes a la Escuela de Rodas: Polidoro, Agesandro y Atenodoro.

    Es una obra del período helenístico (S.IV- I. a.C.). En concreto, esta copia del
Museo Vaticano es del Siglo I a.C., es una copia romana de un original (realizado en bronce) probablemente de los siglos III o IV a.C.
Es una obra de gran volumen realizada en mármol. El volumen de la obra es reforzado por el movimiento y la tensión de la escena. El grupo está concebido para ser visto de frente, y no para que el espectador de la vuelta en torno a él.
El personaje central, Laocoonte, de mayor tamaño, destaca por su estudio anatómico y del rostro. En cuanto a su postura, parece apoyarse en el asiento, del que cuelgan unos rígidos ropajes.
Tiene la pierna derecha doblada y la izquierda retrasada, acentuando la idea de tensión.
    La composición se puede considerar triangular. Las figuras laterales, los hijos de Laocoonte se abren en forma de ángulos rompiendo la verticalidad. No obstante, los tres personajes están perfectamente interrelacionados y entrelazados por la línea que describe la serpiente. El movimiento forzado y la tensión del conjunto se acentúan por la disposición de las serpientes que, con sus anillos de formas sinuosas con curvas y contracurvas a la vez cierran y abren el conjunto. El cuerpo desnudo de Laocoonte es un perfecto estudio anatómico, se trata de la anatomía de un atleta ya maduro, casi decadente, pero con una musculatura muy desarrollada, que contrasta con los cuerpos menos expresivos y más clásicos de sus dos hijos.
    
    Podemos apreciar las rugosidades y texturas de la piel. En cuanto a los rizos en barbas dan efecto de relieve de claroscuro. Además, los cabellos acentúan los efectos de luz y sombra. Los rostros y gestos son muy expresivos, reflejando miedo y dolor. Pero lo gestual y emotivo no sólo están en los rostros, sino en los cuerpos en movimiento.
    El grupo escultórico describe un pasaje de la Eneida de Virgilio. Este expresa la cólera de los dioses y los castigos crueles que éstos pueden poner a los pobres mortales. Simboliza el enfrentamiento entre las fuerzas poderosas de lo incomprensible y la impotencia humana. En este caso, el sacerdote troyano de Apolo, es castigado por exhortar a sus compatriotas a no aceptar el Caballo de Troya como regalo de los griegos; los dioses al ver frustrados sus planes de destruir Troya,enviaron dos gigantescas serpientes de mar para que se apoderaran del sacerdote y de sus dos desafortunados hijos y los estrujaran entre sus anillos. En el rostro de Laoconte se puede apreciar el dolor, no sólo físico, sino el moral al verse impotente y no poder hacer nada por sus hijos inocentes.
 
    El Laocoonte, en efecto se descubrió en Roma en 1506. Ese mismo año se le añadió a la figura del sacerdote un brazo de cera, poco afortunado porque rompía la estructura compositiva original. Más adelante, ya en el S. XVIII, el brazo se copió en terracota y poco más tarde en mármol. No obstante, se hicieron dos copias de la pieza poco después de ser descubierta.
    Relacionamos esta obra con el contexto histórico: La muerte de Alejandro Magno en el 323 a.C. va a suponer la perdida de la unidad de acción del mundo griego: sus generales se repartían en trozos su inmenso Imperio y surgirán monarquías hereditarias en Egipto, Siria, Macedonia, Pérgamo... En estos momentos se va a producir una fusión entre la cultura griega y los gustos orientales. Ahora las obras las encargarán estos ricos monarcas o grandes generales, con un gran afán propagandístico, con el deseo de mostrar su poder y su lujo. Van desapareciendo progresivamente los ideales de belleza, armonía y equilibrio del clasicismo griego. Todo este es claramente apreciable en esta obra, así como el desequilibrio y el sentido de crisis y decadencia que supone el Helenismo dentro de la civilización griega, próxima a ser dominada por Roma.

Información recopilada de las siguientes fuentes:

Historia del Arte. Editorial ECIR. Bachillerato.